Halle 10, Cap Cologne, Clouth-Werke Xantener Str., November 2010
A Space:
for Regarding the Regarding of Objects to be Regarded
“A space for regarding the regarding of objects to be regarded” – this was the concept that brought the two artists Doug Fitch (New York) and Thomas Reifferscheid (Berlin-Cologne) together in November of 2010 in Hall 10 of the Clouth Factory grounds in Cologne at the invitation of the gallerist Linde Trottenberg. With this encounter in Cologne, the two artists pursued the common ambitious goal of transforming the large, empty hall into a stage space, and thus, into a place of art par excellence with their “collaborative installation”.
Both artists had agreed to get together on this project, knowing all the while that their artistic positions could hardly be further apart. Doug Fitch is at home in the New York art scene where he works as an opera director and designer, though he likes to intersperse this with commissions for doing projects in Europe or Asia. For Fitch, working in Venice means living in the Sestiere di Canareggio, the place where the famous Venetian painter Jacopo Tintoretto spent his entire life, staging already in the 16th century paintings that would have been suitable for “filming” even then. Thomas Reifferscheid comes from Bochum. His training as a sculptor at the Alanus Kunsthochschule near Bonn is many years hence, and the artist has long since detached himself from the anthroposophic background that prevailed there, though the fathoming of borderline experiences between material and form remains a constant in his sculptural creations. Sculpture symposia and commissions for creating sculptures to stand in public spaces have made him well known. For Hall 10, he has chosen slender steles (he calls them fragiles), heavy cubes, and black reliefs with irregular edges made out of Swedish granite or Swedish basalt.
Initially, the director is Doug Fitch, whose installation in the hall with the Doric columns would probably have been too delicate were it not for Thomas Reifferscheid’s heavy stone sculptures. His contribution also comprises the directing of the light, which follows the ropes he has stretched from ceiling to floor or from wall to wall. The vistas have been illuminated in the interim spaces between the ropes. There, the calligraphic drawings on silk have been placed in series. – How did these drawings come about then? Doug Fitch intentionally drips black watercolor (ink) onto rock powder, allowing chance to assume the role of creator. Then he photographs these drawings shortly before the water has evaporated. This process seems to have come from the witches’ kitchen of the Surrealists. But in our digital age, Doug Fitch is able to transmit these drawing sequences to his IPhone, with the result that he can now quickly play through an entire series. A similar effect was achieved earlier on with the kind of “flip book” made by Surrealist artists that suggested movement by means of the quick sequence of drawings. Next, Fitch had his drawings printed on silk. – In the installation they appeared in a new context, either as a series, arranged to tell a story, or else consciously arranged as tableaux on the lateral walls. On the back wall of the hall, Fitch projected a sequence of drawings, which he had created in the context of the Romantic music of Arnold Schönberg’s “Pelleas and Melisande”. The united profiles of the lovers are only a fleeting image, since the lyrical drama ends tragically for the couple.
Persons entering the hall took part in the action on stage, but they were not the only ones to do so. Reifferscheid’s stone sculptures jutted into the scene, even forming the central point of the action. As so-called “fragiles”, they soared upwards like spears with no recognizable anchoring in the floor. They unite apparent opposites in themselves, since the coarse-grained, extremely hard granite from Sweden had been worked to its very limit of brittleness. And the meticulously crafted transition from edged to rounded surface is likewise a balancing act. The “Basalt Gate” allows the stretched ropes to pass through, their drawing sequences paraphrasing scenes from Leos Janacek’s opera “The Cunning Little Vixen”. A beautiful interior installation also resulted from the fact that Reifferscheid polished the basalt he had cut out of the gate, and then placed the stele in a direct axis to the high gate. Reifferscheid had also brought along his heavy “Thrones” of black Norwegian stone, whose upper sides are corrugated in concave and convex forms and then polished. The reliefs with their non-aligned edges allow us to deduce the working process, and focus the viewer’s gaze upon the walls. How does the path course from abstract to sensual form?
The vistas of light have already been mentioned but what came like a bombshell was the daring, darkly reflecting ground surfaces of blackened water. Like mirrors, they opened up a second level, similar to an oriental cistern from Antiquity. In this way, the hall was transformed into a magical place, and functioned much like a stage, even becoming a transformer itself. The viewers became part of the world as a stage or viewed the stage as a metaphor of the world.
Irene Kleinschmidt-Altpeter
Kuratorin Kunstmuseum Bonn
Bonn, in June 2011
A Space:
for Regarding the Regarding of Objects to be Regarded
„Ein Raum, um zu betrachten, das Betrachten von Objekten, die uns angehen“ – unter diesem Konzept trafen sich im November 2010 die beiden Künstler Doug Fitch (New York) und Thomas Reifferscheid (Berlin-Köln) auf Einladung der Galeristin Linde Trottenberg in Halle 10 des Clouth Geländes in Köln. Diese Begegnung in Köln hatte das gemeinsame ehrgeizige Ziel, mit einer „kollaborativen Installation“ die große leere Halle in einen Bühnenraum, damit in einen Kunstort par excellence, zu verwandeln.
Für dieses Projekt haben sich die beiden Künstler freiwillig getroffen, wohl wissend, dass ihre künstlerischen Positionen unterschiedlicher nicht sein konnten. Doug Fitch ist in der New Yorker Künstlerszene zuhause, wo er als Opernregisseur und Designer agiert, gern auch unterbrochen von Arbeitsaufträgen in Europa oder Asien. Arbeit in Venedig bedeutet für Fitch Wohnen im Sestiere di Canareggio, dort wo der berühmte venezianische Maler Jacopo Tintoretto sein ganzes Leben verbracht und schon im 16. Jahrhundert „filmreife“ Bühneninszenierungen in Bilder umgesetzt hat. Thomas Reifferscheid stammt aus Bochum. Seine Ausbildung zum Bildhauer an der Alanus-Kunsthochschule bei Bonn ist schon lange her, längst hat sich der Künstler von dem anthroposophischen Background gelöst, aber das Ausloten der Grenzerfahrungen von Materie und Form bleiben Konstanten in seinem bildhauerischem Schaffen. Bildhauersymposien und Aufträge für Skulptur im öffentlichen Raum machten ihn bekannt. Für die Halle 10 hatte er schmale Stelen (Fragile), schwere Kuben und schwarze Reliefs mit unregelmäßigen Rändern aus schwedischem Granit oder schwedischem Basalt gewählt.
Der Regisseur ist zunächst Doug Fitch, dessen Installation in der Halle mit den dorischen Säulen ohne die schweren Steinskulpturen von Thomas Reifferscheid wohl zu filigran geraten wäre. Sein Beitrag ist auch die Lichtregie, die den Seilen folgt, die er von der Decke zum Boden oder von Wand zu Wand gespannt hat. Die Sichtschneisen in den Zwischenräumen der Seile sind ausgeleuchtet. Dort wurden die kalligrafischen Zeichnungen auf Seide seriell platziert.- Wie sind nun die Zeichnungen entstanden? Doug Fitch tropft gezielt schwarze Wasserfarbe (Tusche) auf Steinpulver und lässt den Zufall als Gestalter mitspielen. Dann fotografiert er diese Zeichnungen kurz vor dem Verdunsten. Dieser Prozess scheint aus der Hexenküche der Surrealisten zu kommen. Doch in unserem digitalen Zeitalter kann Doug Fitch die Zeichnungsfolgen auf sein iPhone übertragen und so eine ganze Serie schnell abspielen. Einen ähnlichen Effekt erzielten die surrealistischen Künstler via „Daumenkino“, das Bewegung durch die schnelle Zeichenfolge suggerierte. Anschließend ließ Fitch seine Zeichnungen auf Seide drucken. – In der Installation erschienen sie in einem neuen Kontext, entweder seriell, eine Geschichte erzählend angeordnet, oder aber auch in bewusster Zuordnung als Tableaux an Seitenwänden. An der rückwärtigen Hallenwand projizierte Fitch eine Zeichenfolge, die er im Kontext zur romantischen Vertonung von Arnold Schönbergs „Pelleas und Melisande“ schuf. Die vereinigten Profile der Liebenden sind nur eine Momentaufnahme, denn das lyrische Drama endet tragisch für das Paar.
Die Personen, die die Halle betraten, waren Mitakteure auf der Bühne, aber sie waren nicht die einzigen. Die Steinskulpturen von Reifferscheid ragten in die Skena hinein, ja bildeten die Angelpunkte im Geschehen. Als sogenannte „Fragile“ ragten sie wie Speere nach oben und ihre Bodenverankerung war nicht erkennbar. Sie vereinen scheinbare Gegensätze in sich, denn der grobkörnige sehr harte Granit aus Schweden wurde bis zu einem Grenzwert von Zerbrechlichkeit bearbeitet. Und der diffizil erarbeitete Übergang von der kantigen zur abgerundeten Fläche ist ebenfalls eine Gratwanderung. Das „Basalttor“ lässt die gespannten Seile passieren, deren Zeichenfolgen Szenen aus der Oper „Das schlaue Füchslein“ von Leos Janacek paraphrasieren. Eine schöne Binnen-Installation entstand auch dadurch, den aus dem Tor herausgeschnittenen Basalt zu polieren und die Stele dann in direkter Achse zum hohen Tor zu platzieren. Reifferscheid hatte auch seine schweren „Throne“ aus norwegischem schwarzen Stein mitgebracht, die an der Oberseite konkav und konvex gewellt und poliert sind. Die Reliefs mit den nicht begradigten Rändern, die den Werkprozess noch erahnen lassen, fokussierten den Blick des Betrachters an den Wänden. Wie wird der Weg von der abstrakten zur sinnlichen Form beschritten?
Von den Lichtschneisen war schon die Rede, aber der gewagte Knalleffekt waren die dunkel spiegelnden Grundflächen aus geschwärztem Wasser. Gleich Spiegeln eröffneten sie eine zweite Ebene, vergleichbar einer antiken orientalischen Zisterne. Auf diese Weise verwandelte sich die Halle in einen magischen Ort und agierte wie eine Bühne, ja sie wurde zum Transformer. Die Betrachter wurden in die Welt als Bühne involviert oder sahen die Bühne als Metapher der Welt.
Irene Kleinschmidt-Altpeter
Kuratorin Kunstmuseum Bonn
Bonn, in June 2011
A Space:
for Regarding the Regarding of Objects to be Regarded
The architect Peter Zumthor once stated that the fascinating mystery of architecture is “to create spaces that are waiting for something.” Hall 10 is in many respects such a “space of waiting, a waiting room.” It is waiting to house art and give it a new dimension, even as it itself undergoes its own metamorphosis via the art installation.
The City of Cologne, which has subsidized the maintenance of this exhibition hall measuring 1,000 sq m, desires not only to provide art with a new space, it also aims to promote artistic exchange among different cultures. The present exhibition takes this intention into account.
The concept of the artists Thomas Reifferscheid (Cologne) and Doug Fitch (New York) directly refers to the industrial architecture of Hall 10, which is transformed by their collaborative installation.
For his part, Thomas Reifferscheid places stone sculptures in space, lighting them, each from a single source of light. Doug Fitch creates virtual vistas for our gaze by stretching ropes from wall to wall and from ceiling to floor. He illuminated selected interim spaces within the network of ropes, and hung up calligraphic images on the ropes. These were painted in black watercolor, and then photographed before they faded and disappeared altogether. Printed on cloth, they resemble Tibetan prayer flags drying in the wind. The images do not tell any specific stories, but challenge the viewer to invent his own notions and fantasies.
Three water surfaces black as ink form large reflecting pools in the central axis of the room. The sculptures having been placed within them, they reflect not only themselves, but the space around them as well. New perspectives constantly open up to the viewer, the newly gained spatial depth allowing him or her to glance into a mysterious underworld.
The space that has been altered by the rope constructions and the mirror surfaces becomes horizontally and vertically extended. At the same time, in combination with the stone sculptures, it is grounded in a new form, which is again dissolved by the lightness of the prayer flags.
The stability and the state of being bound to the earth that was staged by the sculptor Thomas Reifferscheid is counterpointed with the staging of the American opera director and stage designer Doug Fitch. He uses space as a loom for weaving his associative stories, fading away in his images but finding support in the sculptures, only to be reflected in the dark water and dissolve again.
Stories are transformations of life. Stability mutates into the fleeting and transitory, and this applies both to architecture and to art as an expression of human experience. Here it is the artists who spin the threads and stretch the ropes, thus giving language to human existence.
Linde Trottenberg, Curator
A Space:
for Regarding the Regarding of Objects to be Regarded
Der Architekt Peter Zumthor sagte einmal, das faszinierende Geheimnis von Architektur sei, “Räume zu schaffen, die auf etwas warten“. Halle 10 ist ein solcher „Warteraum“, ironischerweise in einer doppeldeutigen, in sich selbst widersprüchlichen Funktion : er wartet darauf, Kunst zu beherbergen, ihr eine neue Dimension zu geben, wie auch selber durch die Installation von Kunst eine eigene Metamorphose zu durchlaufen.
Gleichzeitig droht ihr der flächige Abriss durch die Stadt Köln. Einerseits betonen die Politiker die Wichtigkeit des Faktors Kultur auf dem Clouth-Gelände und fordern den Erhalt der Halle 10, andererseits kündigt die Stadt Köln die Mietverträge der Künstlerateliers.
Ausstellungen in Halle 10 bekommen somit eine neue politisch-kulturelle Brisanz.
Das Konzept der Künstler Thomas Reifferscheid und Doug Fitch focussiert sich auf die Architektur der Halle, auf ihre Stabilität und ihre Vergänglichkeit, die sie durch eine kollaborative Installation transformieren wollen.
Reifferscheid platziert seine Steinskulpturen im Raum und beleuchtet sie jeweils aus einer Lichtquelle. Fitch schafft „virtuelle“ Seh-Perspektiven, indem er Seile von Wand zu Wand, von der Decke zum Boden spannt. Ausgewählte Zwischenräume innerhalb des Seilgeflechts werden ausgeleuchtet und dort kalligraphische Bilder an Seilen aufgehängt . Diese wurden mit schwarzer Wasserfarbe gemalt und, bevor sie verblassen und endgültig verschwinden, fotografiert. Auf Stoff gedruckt wirken sie wie tibetanische Gebetsflaggen, die im Wind trocknen. Die Bilder erzählen keine spezifischen Geschichten sondern fordern den Betrachter heraus, selber Vorstellungen und Phantasien zu entwickeln.
Der durch die Seilkonstruktionen erschlossene Raum assoziiert Weite. In Kombination mit den Steinskulpturen erhält er gleichzeitig eine neue Erdung, die durch die Gebetsflaggen wieder aufgehoben wird und der Vergänglichkeit anheim fällt.
Erdhaftigkeit und Stabilität, durch den Bildhauer Thomas Reifferscheid in Szene gesetzt, werden kontrapunktiert und aufgehoben durch die Inszenierung des amerikanischen Opernregisseurs und Bühnenbildners Doug Fitch. Er nutzt den Raum als Webrahmen und Wäscheleine für seine assoziativen Geschichten, die sich in und mit seinen Bildern verflüchtigen, an Skulpturen festmachen, um sich dann im Dunkeln wieder aufzulösen.
Geschichten sind Transformationen des Lebens, Stabilität mutiert zu Flüchtigkeit und Vergänglichkeit. das gilt für die Architektur wie für die Kunst als Ausdruck der menschlichen Erfahrung. Künstler sind Fädenspinner und Seilspanner, die der menschlichen Existenz und ihren Widersprüchen eine Bildersprache geben.
Linde Trottenberg, Kuratorin
Artists’ proposal
A consistent theme in my work is a merging of the pragmatic with the absurd. Pragmatic concerns anchor us to the real world, while absurdity keeps us from taking that world for granted. For me, this merging manifests itself at the boundary between design and art. Art offers us new ways to imagine the lives we are living. Design offers us ways to live the lives we imagine. I am always looking for a contradictory balance.
Chairs are applied sculptures; aesthetic objects made with the intention of being used. They invite interaction – you are meant to sit on them, not just look at them. My first chairs were made in sand-cast molds of my body. I wanted to “solidify” the space around the activity of sitting. I wanted to draw attention to this space that envelops us, where sound waves vibrate, photons fly, smells disperse and gases intermingle. All communication is exchanged within this mysterious medium that separates a self from all that is other.
Chairs, of course, are objects that have been sculpted to facilitate a particular human activity. We call them dining chairs or rocking chairs, reading chairs or reclining chairs after the specific task they were designed to accommodate. We also have the easy chair (presumably intended for being “easy” in), the armchair (which has arms), the wing chair (though flightless), the wheel chair, the chaise longue and the foldout sofa-bed (for the chance guest). But there are many activities for which chairs are not specifically constructed although if they were, the presence of such furniture might encourage more of that particular activity.
With these two sculptural chairs, I wanted to draw attention to — and make a special place for — two activities fundamental to the creative practice, particularly within the scientific realm: absorbing (as in: reading and learning-from and taking-in…) and being listened-to (even when this means listening to yourself). These are the two sides of sharing, the giving and taking from one person to another through that stimulant space that surrounds us. It is the activity of quiet communication.
There is the Library Chair, filled with books of knowledge to absorb. The books surrounding someone seated in the Kaiserslautern Library Chair were each chosen — by whim or thoughtful deliberation — by someone within the institute; selected because it was particularly inspirational to him or her.
And there is the Listening Chair, which in a way, is an homage to the humbleness of science: you must first listen in order to understand. To come up with a new idea, it is important to recognize its lineage, to recognize its utility in the continuum of knowledge. Research is based on listening, observing and letting the world in. Without the openness that is the essence of listening, there would be no science. We live in a complicated world where it is sometimes difficult to hear yourself think. The Listening Chair has this concern in mind.
Both objects celebrate the work we do to prepare ourselves for innovation. They celebrate the activity of communication, but mainly the solitary kind where you are in contact with those whose thoughts and experience and work have led to yours at this precise moment when you have decided to sit down and be open to it all.
Doug Fitch
“Projekt” Oracle
30.9. – 30.10. 2010
bei taf, the Art Foundation, Athen.
Unter Mitwirkung von
Rita Rohlfing, Eva Ohlow und
Doug Fitch.
weitere Informationen
Doug Fitch